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Nel corso della storia, l’arte ha sempre rappresentato un mezzo di espressione personale, ma negli ultimi decenni è emersa una nuova consapevolezza: l’arte può e deve avere un valore collettivo. Bruno Munari, nel 1975, sottolineava come la vita di una comunità sia più duratura di quella di un singolo individuo, suggerendo che ciò che realmente conta è quello che si dona agli altri.
Questo concetto si è radicato sempre di più, soprattutto in un’epoca in cui il dialogo e la collaborazione assumono un’importanza cruciale.
Il risveglio dei collettivi artistici
Nel periodo post-bellico, si è assistito alla nascita di numerosi gruppi artistici che hanno cercato di rifondare il linguaggio dell’arte su basi nuove. Tuttavia, è stato a partire dagli anni ’60 e ’70 che il concetto di collettivo ha preso piede, dando vita a laboratori di pratiche condivise e a forme di espressione collettiva.
Questi movimenti hanno segnato un cambiamento significativo, spostando l’attenzione dall’individualismo alla collaborazione e alla progettualità comune.
Un obiettivo nobile di questi collettivi è quello di coinvolgere le persone attraverso un’arte condivisa. Anche se nuove strutture e istituzioni educative hanno trasformato alcune aree urbane, spesso manca un reale scambio culturale. A differenza di fenomeni di gentrificazione che si vedono in metropoli come New York e Berlino, dove gli artisti vengono sfruttati e poi espulsi, l’approccio di alcuni collettivi è quello di lavorare con specificità.
Ad esempio, il progetto BiM a Milano ha permesso agli artisti di mostrare il loro lavoro in spazi accessibili, favorendo un’interazione diretta con il pubblico.
Movimenti e collettivi iconici
Tra i pionieri del collettivismo artistico c’è il movimento Fluxus, fondato nel 1961 da George Maciunas. Questo gruppo di artisti, musicisti e poeti ha creato un ambiente in cui ogni membro poteva esprimere la propria visione pur rimanendo parte di un’idea comune. Il concetto di Fluxus è stato fortemente influenzato da figure come John Cage, che sosteneva che ogni suono potesse essere considerato musica. Un altro nome di spicco è Yoko Ono, che ha organizzato eventi artistici che univano diverse forme di espressione, dal movimento alla musica.
Il potere delle performance
Un esempio emblematico del movimento Fluxus è un evento del 1965 a New York, dove il musicista La Monte Young ha diretto una performance che coinvolgeva due uomini avvolti in nastro adesivo. Questo tipo di interazione metteva in luce l’importanza del pubblico nel processo creativo, un tema che continua a essere esplorato da vari gruppi artistici.
Collettivi contemporanei e nuovi linguaggi
Il collettivo austriaco Gelitin, attivo dal 1993, porta avanti un approccio surreale e provocatorio. Le loro opere, che spaziano dalla performance all’installazione, invitano il pubblico a interagire e a mettere in discussione il proprio rapporto con l’arte. Un’opera memorabile è stata Hase/Rabbit/Coniglio, un gigantesco coniglio di peluche che invitava il pubblico a esplorare il suo corpo, un simbolo di interazione e decadimento.
Il design come arte collettiva
Un altro esempio di collettivo creativo è Acne Studios, fondato nel 1996, che si è evoluto da un gruppo di designer e artisti a un marchio di moda di successo. La loro capacità di fondere vari linguaggi espressivi ha reso il brand un punto di riferimento nel mondo della moda, mantenendo un legame con il panorama artistico e culturale.
In Italia, Studio Azzurro ha aperto nel 1982, esplorando le possibilità dei nuovi linguaggi tecnologici attraverso videoambienti e installazioni interattive. Questi lavori mirano a restituire centralità allo spettatore e a stimolare una riflessione profonda.
Spazi indipendenti e nuove visioni
Oggi, i collettivi artistici possono manifestarsi in spazi indipendenti, definiti artist-run spaces, che fungono da ecosistemi critici e produttivi. Un esempio è il collettivo curatoriale Cripta747 a Torino, che sostiene la creatività emergente attraverso spazi, risorse e programmi di formazione, creando un ambiente in cui arte e comunità possano interagire.
Il collettivo Kublaiklan indaga nuove forme di interazione con la fotografia, proponendo progetti espositivi e di ricerca che ampliano il significato dell’immagine contemporanea. Queste iniziative contribuiscono a rendere l’arte un linguaggio accessibile e condiviso.
Nel periodo post-bellico, si è assistito alla nascita di numerosi gruppi artistici che hanno cercato di rifondare il linguaggio dell’arte su basi nuove. Tuttavia, è stato a partire dagli anni ’60 e ’70 che il concetto di collettivo ha preso piede, dando vita a laboratori di pratiche condivise e a forme di espressione collettiva. Questi movimenti hanno segnato un cambiamento significativo, spostando l’attenzione dall’individualismo alla collaborazione e alla progettualità comune.0
